“Io resto a casa”: durante la pandemia di COVID-19 nel 2020, questa frase era una dimostrazione di responsabilità, un modo per proteggere chi ci stava accanto evitando contatti e uscite superflue. Questa abitudine ha finito per isolare anche luoghi culturali come le sale cinematografiche, che, insieme a teatri e concerti, hanno sofferto chiusure e cali di pubblico drastici. Oggi, pur con il virus ormai alle spalle, molti hanno però mantenuto l’abitudine di restare tra le mura domestiche. Solo poche eccezioni, come Avatar – Fuoco e Cenere, hanno saputo riportare grandi masse davanti al grande schermo; infatti il film ha incassato nelle prime 72 ore un guadagno relativo all’86% del suo intero budget.
Andare al cinema ormai sembra sempre più spesso assimilato al semplice “guardare un film prima dello streaming”, piuttosto che a una vera e propria esperienza. Questo fenomeno è alimentato da una drastica riduzione della distanza temporale tra l’uscita in sala e la disponibilità sulle piattaforme digitali. Prima della pandemia la finestra esclusiva nei cinema poteva arrivare anche a 90 giorni, ma oggi si è ridotta spesso a 30-45 in meno. Perfino produzioni di grandi nomi nate dalle piattaforme, come Frankenstein di Guillermo del Toro o House of Dynamite di Kathryn Bigelow, hanno avuto una programmazione nei cinema di appena due settimane prima del debutto in streaming. Le recenti voci di un’acquisizione di Warner Bros da parte di Netflix, inoltre accentuano la percezione di un futuro dove la sala rischia di diventare sempre più breve o marginale nella vita dei film.
Questa tendenza sembra consolidarsi, con sempre meno persone che vanno al cinema abitualmente e più spettatori che aspettano l’uscita in streaming, fenomeno che sta impattando negativamente l’esercizio delle sale cinematografiche. Viene spontaneo chiedersi se figure come Ted Sarandos, CEO di Netflix, abbiano ragione quando sostengono che il modello tradizionale del cinema sia ormai “superato”. Tuttavia, ci sono eccezioni clamorose che dimostrano che c’è ancora speranza, come il sopracitato Avatar – Fuoco e Cenere oppure il suo predecessore Avatar – La via dell’acqua (di cui trovate qui la nostra recensione). Entrambi hanno provato che un film può ancora scatenare una risposta globale e riportare folle nei cinema come evento, non solo come visione anticipata. Ma l’epopea di James Cameron non è certo l’unico caso: ecco 10 titoli post-pandemia che hanno confermato il valore dell’esperienza cinematografica pura, dimostrando che il grande schermo è necessario e può ancora regalarci grandi emozioni.
Tenet (2020)
Tenet è forse il caso più emblematico di film pensato per la sala in uno dei momenti peggiori possibili per il cinema. Uscito nel 2020, in piena pandemia, è arrivato quando le sale erano vuote, il pubblico esitante e l’idea stessa di andare al cinema sembrava fuori dal tempo. Eppure è proprio il contesto a renderlo significativo. Nolan costruisce un action ad altissimo impatto visivo puntando, come da sua abitudine, su effetti pratici, stunt reali, set costruiti e azione fisica, riducendo al minimo l’uso della CGI (ne abbiamo parlato anche qui). Le sequenze funzionano per scala, per precisione coreografica, per chiarezza spaziale ed elementi che sul grande schermo acquistano un peso completamente diverso. Tenet non è un film pensato per essere “recuperato” in un secondo momento: è un’esperienza che vive di immagine, suono e movimento, e che al cinema trova la sua forma naturale.
Top Gun: Maverick (2022)
Arriviamo adesso a uno degli esempi più chiari di cinema costruito intorno all’esperienza della sala: Top Gun: Maverick (di cui potete leggere qui la nostra recensione). Dal punto di vista tecnico, il film mette lo spettatore letteralmente dentro l’azione. Le sequenze aeree sono state girate con camere IMAX montate direttamente all’interno dei caccia, una scelta che permette di percepire velocità, altitudine e accelerazione in modo estremamente realistico. Non è quindi un caso che il film si sia portato a casa il Premio Oscar per il Miglior Sonoro, un riconoscimento del lavoro maniacale su motori, vibrazioni e direzionalità del suono, elementi che in sala diventano praticamente fisici. L’immersività nasce anche dalla preparazione degli attori: Tom Cruise ha sottoposto il cast a un addestramento reale per sopportare le forze G, rendendo autentiche le reazioni in volo. Tutto concorre a un risultato preciso: al cinema non guardi gli aerei, ci voli dentro.
Nope (2022)
Arriviamo a un caso in cui non è l’azione spettacolare a fare da padrona, ma qualcosa di più sottile e inquietante. Nope è comunque un film davvero spettacolare, girato anche in IMAX, con sequenze che rinchiudono cieli immensi e immagini di scala quasi epica. Ma Nope è anche un film profondamente metacinematografico (ne abbiamo parlato qui nella nostra recensione). Il mostro che incombe dall’alto, per ammissione dello stesso Jordan Peele, rappresenta l’avanzata di streaming e serie tv che rischiano di inghiottire Hollywood e il cinema tradizionale, divorando soprattutto chi non riesce a distogliere lo sguardo. Nope non parla solo di spettacolo: parla del futuro ponendo una domanda che mai quanto adesso risuona così forte: Hollywood riuscirà a non farsi inghiottire?
Babylon (2022)
Se Nope difendeva Hollywood quasi come una vittima, qui arriviamo a un film che mostra il suo lato più oscuro, eccessivo e contraddittorio, senza per questo rinunciare a celebrarla come grande spettacolo. Babylon di Damien Chazelle è un’esplosione visiva e sonora che trova nel cinema la sua dimensione ideale. È una gioia per gli occhi, grazie a una messa in scena travolgente, fatta di movimento continuo, caos controllato e un vero e proprio tripudio di colori e costumi d’epoca. Ma è anche una gioia per le orecchie: la colonna sonora di Justin Hurwitz accompagna e amplifica ogni eccesso del film, in un lavoro che molti hanno considerato inspiegabilmente ignorato agli Oscar (come altre 9 colonne sonore praticamente derubate del Premio). Se il film non ha avuto il successo sperato, non è perché abbia fallito artisticamente, ma perché il suo budget elevatissimo lo ha reso un rischio industriale difficile da sostenere.
Spider–Man: Across the Spider-Verse (2023)
Qui c’è davvero poco da contestare. Spider-Man: Across the Spider-Verse è una perla del cinema d’animazione contemporaneo, al punto da essersi guadagnato una posizione altissima nella nostra classifica dei migliori film del 2023. Spiegare perché sia un’esperienza necessaria da vivere sul grande schermo non è semplice, perché ogni suo elemento lavora in quella direzione. L’animazione è stratificata, densa, in continuo movimento: stili grafici diversi convivono nella stessa scena, i colori esplodono, le immagini sono cariche di dettagli che solo uno schermo grande permette davvero di cogliere. A questo si aggiunge un lavoro sonoro potentissimo, fatto di musica, effetti e ritmo, che in sala diventa immersivo e avvolgente. Non serve essere amanti di Spider-Man per godersi quest’opera, basta essere amanti del cinema.
Mission: Impossible – Dead Reckoning – Parte Uno (2023)
Qui l’azione spettacolare fa certamente da padrona, con un livello di immersività raramente raggiunto dal cinema action contemporaneo. Mission: Impossible – Dead Reckoning – Parte Uno è costruito per tenere lo spettatore incollato allo schermo, ma sotto la superficie c’è qualcosa di più. Come in Nope, emerge un forte sottotesto metacinematografico: una dichiarazione d’amore per il cinema tradizionale e, allo stesso tempo, una chiara diffidenza verso l’intelligenza artificiale. Non a caso il villain del film non è un uomo, ma un’AI invisibile e onnipresente, forse il nemico più inquietante mai affrontato dalla saga e una metafora trasparente delle paure che attraversano oggi Hollywood. In questo contesto (approfondito qui nella nostra recensione), Tom Cruise diventa il simbolo perfetto di resistenza: invece di affidarsi agli effetti digitali, si lancia davvero giù da un dirupo in moto, trasformando il rischio reale in spettacolo puro. Lunga vita al cinema, e a Tom Cruise.
Godzilla Minus One (2023)
Qui arriviamo a un caso più unico che raro nella storia recente del cinema. Godzilla Minus One è una produzione giapponese dal budget nettamente inferiore a quello dei grandi blockbuster americani, eppure è riuscita a ottenere risultati straordinari: un enorme successo al botteghino internazionale e, soprattutto, la vittoria del Premio Oscar per i Migliori Effetti Speciali, battendo concorrenti ben più costosi come The Creator. Un risultato che ha fatto rumore, perché dimostra come il cinema non sia solo una questione di soldi, ma di idee e soprattutto resa scenica. In sala, la scala di Godzilla, il suono e la distruzione diventano uno spettacolo devastante, la prova che anche fuori da Hollywood si può creare un’esperienza cinematografica potente, capace di competere e vincere sul terreno dei giganti.
Dune – Parte due (2024)
Impossibile non citare Dune – Parte due, un film che rappresenta un’evoluzione netta rispetto al suo predecessore, soprattutto dal punto di vista tecnico. Se Dune – Parte uno aveva fatto incetta di Premi Oscar, il secondo capitolo è riuscito comunque a portarsi a casa la statuetta come Miglior Sonoro e Migliori Effetti Speciali, confermando la visione immensa di Denis Villeneuve. Dal lavoro sul sonoro, profondo e avvolgente, alla resa delle immagini girate per l’IMAX, ogni scelta sembra pensata per valorizzare la sala cinematografica. La scala degli ambienti, i corpi immersi nel deserto, il peso dei silenzi e delle esplosioni rendono l’esperienza maestosa, quasi opprimente nel senso migliore del termine. Su Dune – Parte due si potrebbero scrivere pagine intere di analisi tecnica, ma il nostro consiglio resta uno solo: vederlo sullo schermo più grande possibile.
Wicked – Parte 1 (2024)
Arriviamo a un film che fa della musica il suo cuore pulsante: Wicked – Parte 1. Si tratta dell’adattamento cinematografico dell’omonima opera teatrale di successo, a sua volta una rilettura in chiave inedita del mondo raccontato ne Il Mago di Oz. Dove prima c’era il grande palco, ora c’è il grande schermo, capace di amplificare emozioni, numeri musicali e messa in scena in modo impossibile a teatro. Le canzoni restano centrali, ma il cinema permette di espandere Oz in ogni direzione, trasformandolo in un universo visivo ricchissimo. Le inquadrature sono studiate al millimetro, i colori saturi e le scenografie talmente curate da rasentare la perfezione. Non è un caso che l’enorme campo di fiori visto nel film sia stato realmente costruito e piantato, e non creato in digitale.
Sinners (2025)
Eccoci arrivati a uno dei successi più rilevanti dell’anno in corso. Sinners di Ryan Coogler ha raccolto candidature, premi e grande attenzione critica, ritagliandosi un ruolo sempre più centrale nella corsa agli Oscar. Ma al di là dei riconoscimenti, è un film che merita il cinema soprattutto per il suo utilizzo della musica, come elemento narrativo e sensoriale. La colonna sonora, firmata da Ludwig Göransson, è il vero motore emotivo del film. Il compositore, reduce dall’Oscar vinto per Oppenheimer, costruisce un tessuto sonoro che accompagna e amplifica le immagini. In sala, il suono avvolge lo spettatore, creando un’esperienza immersiva impossibile da replicare altrove. Sinners dimostra che quando musica, regia e montaggio dialogano a questo livello, il cinema diventa indimenticabile.
A fronte di queste opere incredibili, volete davvero privarvi di esperienze immersive come Avatar – Fuoco e cenere? Se credete che la magia della sala possa e debba ancora durare, dopo anni in cui dicevamo “io resto a casa“, oggi la scelta è una sola: io resto al cinema.
